sábado, 13 de enero de 2018

ANDINA: The Sound Of The Peruvian Andes 1968​-​1978



Una ventana al espíritu cautivador y lleno de sangre de los Andes, ANDINA arroja una nueva perspectiva sobre el patrimonio andino de Perú. Un co-lanzamiento con Strut Records, el álbum es seleccionado de entre los discos lanzados entre '68 y '78, volcando ideas cliché de la música andina y sacando a la luz las divergentes y emocionantes tradiciones que surgieron de la franja peruana de la cordillera icónica. Abarcando ritmos de cumbia peruana, grabaciones de arpa folklóricas trascendentes y grupos de big bands de Lima que tienen influencia de sus vecinos de las tierras altas, cuenta con una diversidad que atraerá a fanáticos del jazz y latinos, así como a DJs de mente tropical y coleccionistas de excavaciones profundas .Fue el productor de dubstep y DJ Mala (Digital Mystikz) quien más recientemente brilló en la región con su álbum 2016 Mirrors on Brownswood Recordings 

El fundador de Tiger's Milk, Martin Morales, lo había acompañado a Perú dos años antes, actuando como su guía y mentor en descubriendo la amplitud de la historia musical del Perú. Martin siempre había querido lanzar una colección de los sonidos inspirados por Mala y así nació ANDINA.Todas las pistas, con la excepción de 'La Chichera' de Los Demonios del Mantaro, nunca se han lanzado desde su prensado de vinilo original. El sonido más representado es el de la cumbia peruana; imbuyendo ese estilo tropical colombiano con ritmos huayno andinos y guitarras eléctricas influenciadas por el rock, fue una confluencia moderna de sonidos con un toque claramente andino. En otra parte, el álbum refleja la gran cantidad de registros folclóricos tradicionales publicados durante esta época también; con etiquetas que aprovechan la gran demanda en el Perú de discos folclóricos en ese momento, dejaron una gran cantidad de huayno y carnaval atmosféricos, recogidos con arpa para ser descubiertos. 

ANDINA nunca tuvo la intención de ser una descripción definitiva de la música andina. Compilados por el coleccionista de discos Lima Tapio Del Rio, Morales y el cofundador de la etiqueta, Duncan Ballantyne, las elecciones, lanzadas en sellos peruanos como Lempsa, Sono Radio y El Virrey, así como oscuros independientes, reflejan los récords que mostraron más ideas emocionantes y directas sobre el sonido andino. No se limita a las bandas basadas en los Andes, también hay entradas deExtraños, en particular de la ciudad costera de Lima, que tomaron las señales de sus compatriotas en las montañas.Un ejemplo temprano de la cumbia peruana de estilo huayno es 'La Chichera' de Los Demonios del Mantaro. Procedente del valle del Mantaro en Junín andino, fue un momento fundamental para la música de este período. Tomando sus pistas de ese enfoque influyente, está Los Bárbaros del Centro, cuyas dos canciones destacadas, como 'La Chichera', fueron escritas por el prolífico Carlos Baquerizo Castro. Los Compadres del Ande traen dos ejemplos más de ese sonido primitivo de la cumbia Andina.En otros lugares, algunas bandas tomaron las piedras de toque de la muy querida musica criolla y las hilvanaron en un estilo de cumbia. 

 En "Todos Vuelven" de Los Walker de Huánuco, por ejemplo, el grupo de cumbia peruana reutilizó un hito de la música criolla. Una versión del éxito de 1943 de César Miró (que fue originalmente compuesta para una película de Hollywood), ve un original afroperuano visto a través de un prisma afrocolombiano de estilo quechua; o para decirlo de otra manera, es un excelente ejemplo de cómo el sonido andino nació de los remanentes y entrelazados legados musicales de América Latina y la diáspora africana. En una línea similar, 'La Cholita' de Los Sabios del Ritmo es una canción que, originalmente popular en un estilo criollo, se inyecta con un ritmo andino.Con los artistas radicados en Lima creando su propia versión del estilo andino, a menudo tomaban su sonido en una dirección más grandiosa, de big band. "Perla Andina" de Alicia Maguiña es una cumbia con un esplendoroso arreglo de big band. Cantante y compositor con sede en Lima, fue escrita como una oda a los Andes luego de algunas visitas memorables a la región. Del mismo modo, la '' Caymeñita '' de Lucho Neves lleva la cumbia peruana a una dirección conmovedora y llena de latón, guiada por el delicioso piano de Lucho.  

En 'Toyascha', el Conjunto Kori Cinta de Huancavelica toca un modo sombrío de carnaval: con solo un simple arpa y una voz y letra cantadas en quechua, es una nota meditativa de cierre para el álbum. En un modo diferente de los Andes tradicionales, 'Mi Casacancha' de Conjunto Los Luceritos de Casacancha es una composición sombría con un ritmo de muliza, que combina violines, arpa y un grupo de instrumentos de viento.Reflexionando sobre su conexión con los Andes, Martin Morales recuerda: "Creciendo en la ciudad costera de Lima, fue mi abuela quien mantuvo viva la conexión de nuestra familia con las montañas. Nuestras visitas a su casa de gran altura en el departamento de La Libertad, junto con los paquetes regulares de comida que ella había entregado a Lima, me transmitieron un fuerte sentido de las tradiciones terrenales y desgastadas de los Andes. "A través de las diferentes ciudades, aldeas y ciudades que pueblan los Andes, sus diferentes culturas han dado lugar a una gran cantidad de híbridos en constante evolución




1. Los Demonios Del Mantaro - La Chichera 02:53 
2. Los Compadres Del Ande - La Mecedora 02:21 
3. Los Walker’s de Huánuco - Todos Vuelven 02:59 
4. La Peruanita - Recuerda Corazón 02:46 
5. Los Bárbaros Del Centro - Loca Loquita 02:50 
6. Los Compadres Del Ande - El Lorcho 02:30 
7. Los Bilbao - Zelenita del Año 2000 02:59 
8. Manolo Avalos - Rio de Paria 02:14 
9. Lucho Neves Y Su Orquesta - Caymeñita 03:05 
10. Los Jelwees - Descarga Huanuqueña 03:10 
11. Los Sabios Del Ritmo - Cholita 03:05 
12. Alicia Maguiña con Mario Cavagnaro y su Sonora Sensación - Perla Andina 02:47 
13. Conjunto Los Luceritos De Casacancha - Mi Casacancha 02:39 
14. Huiro Y Su Conjunto - Cumbia en los Andes 03:27 
15. Los Turistas Del Mantaro - Agua Dulce 02:41 
16. Los Bárbaros Del Centro - La Celosa 03:05  
17. Conjunto Kori Cinta de Huancavelica - Toyascha 02:46




lunes, 1 de enero de 2018

Sibusile Xaba - Open Letter to Adoniah



Una pieza clave en la nueva generación de músicos de jazz de Sudáfrica, el guitarrista y vocalista nacido en KwaZulu-Natal Sibusile Xaba tiene todas las características de un maestro de la guitarra acústica. Con un estilo vocal que es en parte dreamcaping y en parte invocación ancestral, Xaba adivina en lugar de simplemente cantar. Combinado con un estilo de guitarra que está arraigado en la elección expresiva, la música de Xaba rompe los límites del género, tomando solo los fundamentos de mentores como Madala Kunene y el Dr. Philip Tabane e imbuyéndolos con una mitología e intensidad de improvisación propia.

'Open Letter to Adoniah' es un álbum reverente de la vida y su conexión con una fuente superior. La música emana de los sueños revelados a Xaba en días consecutivos y la mayor parte del álbum fue grabado en vivo en las montañas de Magaliesberg, en las afueras de Johannesburgo, en el invierno de 2016.

Con los percusionistas Thabang Tabane y Dennis Moanganei Magagula, el trío combina influencias geográficas y espirituales, insinuando a Maskandi (un estilo de música dominante en KwaZulu-Natal natal de Xaba) y la cultura de improvisación de la vanguardia del jazz de Sudáfrica. Colectivamente, los músicos remodelan estas influencias, situándolas dentro de ritmos que abarcan el continente africano. La influencia de Thabang Tabane sobre el proyecto le otorga una sensibilidad espiritual alusiva a la música de Malombo que su padre, el legendario Dr. Philip Tabane, originó a principios de la década de 1960.

https://sibusilexaba.bandcamp.com/album/open-letter-to-adoniah




1. Open Letter to Adoniah 05:00
2. Wampona 05:29
3. Emazulwini 05:18
4. Sibongile : Tribute to the Mother (Reprise) 04:46
5. Nomaphupho 04:52
6. Angisenalutho 03:52
7. Nyandi Yeni (Interlude) 01:14
8. Swaziland 03:34
9. Liyabukwa 03:57
10. Inkululeko (Reprise) 07:38


Arto Tunçboyacıyan (24 CD´s) Discografia



Percusionista y cantante Arto Tunçboyaciyan nació el 4 de agosto de 1957 en Galateria, cerca de Estambul, hijo de un zapatero descendiente de una familia de origen de Armenia-Anatolia. La mayor y más hermosa influencia musical de su vida fue su hermano Onno Ohannes Tunçboyaciyan, famoso músico y compositor. Onno no fue únicamente su hermano sino su maestro, su amigo, su apoyo y el que animó a Arto a desarrollar su personalidad. A la edad de 11 años, comenzó su carrera interpretando y grabando música tradicional con su hermano estableciéndose como músico profesional a lo largo de Turquía y Europa. En 1981 Arto se trasladó a Estados Unidos para explorar nuevas influencias creativas y añadir una nueva dimensión a su propia visión de la vida. Aquí toco y grabó con muchos grandes músicos.

Comenzó una significativa cooperación con el laudista armenio Ara Dinkjian. En 1985 se fundó el cuarteto Night Ark liderado por Ara Dinkjian. Arto grabó el proyecto en dúo con él “Tears of Dignity” (1994) y “Onno” (1996), un homenaje a su hermano Onno que murió trágicamente en un accidente de aviación en 1996. Estas composiciones son una clara expresión de los sentimientos de Arto hacia su hermano. En 1988 se publicaron sus albúmenes en solitario “Virginland” y “Main Root”.

En 1997 “Aile Muhabbeti” se publicó en Turquía como la banda sonora de la película. Arto compuso los temas de este álbum con varios músicos turcos y armenios.

En 1998 fundó la Armenian Navy Band y creó una nueva expresión “The Avant-Garde Folk Music” que significa que sin perder las raíces de nuestra identidad, podemos enriquecer nuestra imaginación con nuestras propias experiencias.

En el 2000 se publicó “Every Day is a New Life”.

En el invierno de 2001 salió “Türke sözlü hafif anadolu müzigi” (música de Anatolia con palabras en turco), que Arto dedicó a sus amigos y fans de Anatolia. Junto con el pianista de la ANB Vahagn Hayrapetan sacó en el 2003 su primer trabajo en dúo “Love is not in your mind”, una muy personal declaración de amor dedicada a su madre. En febrero de 2005 Arto grabó su nuevo proyecto en solo “Artostan”, un viaje diario de través de sus muchas formas de su mundo de sonidos y todavía continúa su viaje musical con el mismo entusiasmo e ilusión defendiendo que si una persona es capaz de ilusionarse, siempre se mantendrá joven y en conexión con la realidad de la vida.

Uno de sus últimos proyectos es “Human Element”. En la tradición de Weather Report y el Syndicate de Joe Zawinul, grupos míticos que han influido en generaciones de músicos de todo el mundo, Human Element está compuesto por el teclista Scott Kinsey (Tribal Teeh), por Matheew Garrison al contrabajo eléctrico (Zawinul Syndicate, John Mclaughlins’s Heart of Things, Herbi Hancock), el percusionista y vocalista Arto Tunçboyaciyan (Al Di Meola’s World Sinfonia, Joe Zawinul, Marc Johnson’s Right Brain Patrol) y el bateria Gary Novak (Chick Corea’s Elektric Band), Human Element incorpora elementos de fusión, funk y melodías de folk armenio en una potente mezcla del siglo XXI de difícil catalogación.

La persistencia y dedicación a su trabajo le ha dotado de admiradores por todo el mundo. Su leyenda sigue creciendo sin conocer fronteras, color o religión. Recientemente ganó un premio Grammy por su contribución a las composiciones de “Miho: Journey to the Mountain “ interpretada por el Paul Winter Consort. “La música es el mejor momento de mi vida. Yo no doy la dirección que debe tonar nadie. Te dejo imaginar por ti mismo, pero lo que trato de dar es Amor, Respeto, Verdad. Creo que esta es la forma más simple de la riqueza en este mundo por el camino de la confianza y esto es lo que necesitamos”.

The Armenian Navy Band

Ganadores del premio de la BBC de World Music “Planet Audience Award” en el 2006, la Armenian Navy Band fue fundada en 1998 por Arto Tunçboyaciyan, un compositor carismático, multi-instrumentista y cantante, también creador de la Avant-garde folk music. Desde su infancia, la música ha sido el elemento fundamental en su vida. Como músico profesional empezó a tocar en 1968, desde entonces, ha intentado transmitir sus proclamados valores: Amor, Respeto y Confianza.

Su música ha recibido influencias lo suficientemente dispares como para resumir su sonido en un aglutinante término, avantgarde folk.

Con el propósito de hacer sus “sonidos del mundo” audibles de la forma que deseaba, Arto visitó Armenia. Allí encontró músicos entusiastas y abiertos de mente que pronto configuraron la Armenian Navy Band y difundieron la ideología de Amor, Respeto y Confianza en el mundo de la música. En 1998 grabaron su primer álbum “Bzdik Zinvor”, es un grito sincero a la vida, a la naturaleza y al amor. Desde 1999 están regularmente girando en Europa. También en el 99 la Armenian Navy Band graba su segundo álbum “New Apricot”. En el 2001 en Estambul sacan otro de titulo “Light Anatolian Music with Turkish Words”, con letras en turco, que significa una hermosa y expresión única de experiencia de vida.

A finales de 2003, en el estudio de Yerevan, se crea la primera parte de un ambicioso proyecto musical llamado “Sound of Our Life – Part One: Natural Seeds”. Arto considera este álbum como su diario musical. Es una composición de una hora de duración para la Armenian Navy Band, coro y orquesta de cuerda, seguida de una segunda y tercera parte y probablemente de una cuarta.

En el 2004 grabaron un nuevo CD “How much is yours” que fue su primer álbum en Armenia. A principios del 2005 grabaron la banda sonora para la película de Robert Guédiguian “Le voyage en Armenie”. Armenian Navy Band colabora con el grupo de rap Paper Boys Intl., la banda del hijo de Arto Seto Setrack Tunçboyaciyan, y actualmente están en el estudio de grabación preparando el nuevo CD. Simultaneamente Armenian Navy Band está trabajando en “Sound of our life – part two (Ethnodispanser) y tambien sobre los nuevos CDs “Under your thoughts” y “Simple like Water Deep like Water”.

La música de la Armenian Navy Band son composiciones originales de Arto Tunçboyaciyan, que expresan el sonido de las pasadas generaciones junto con la vida contemporánea y la imaginación del futuro. Esto es lo que Arto define como “Avant-Garde Folk”. La Armenian Navy Band representa la síntesis de 38 años de viaje musical de Arto, su vida, experiencias y filosofía.

Músicos:

ARTO TUNÇBOYACIYAN-percusiones, voces, bular
ANAHIT ARTUSHYAN-kanun
ARMEN AYVAZYAN-kemanche
ARMEN HUSNOUNTS-tenor & soprano saxofón
ASHOT HARUTIUNYAN-trombón
DAVID NALCHAJYAN-alto saxofón
TIGRAN SUCHYAN-trompeta
NORAIR KARTASHYAN- blul, duduk, zurna
VARTAN GRIGORYAN-duduk, zurna
ARMAN JALALYAN-tambores
VAHAGN HAYRAPETYAN-piano & teclados
ARTYOM MANUKYAN-bajo, violonchelo


DISCOS  CARATULAS

         

         

          

         

         

         

         

         

         

         

         

          





 ENLACES (UPLOADED)

Armenian Navy Band- How Much Is Yours.rar
Armenian Navy Band - Natural Seeds.rar
Armenian Navy Band - Bzdik Zinvor.rar
Armenian Navy Band - New Apricot.rar

Night Ark - Moments.rar
Night Ark - In Wonderland.rar
Night Ark - Petals On Your Path.rar
Night Ark - Treasures.rar
Night Ark - Picture.rar

1994 - Main Root.rar
2000 - Every Day is a New Life.rar
1996 - Arto Tuncboyaciyan & Ara Dinkjian - Tears of Dignity.rar
2011 - Human Element - Human Element.rar
2009 - Yasar Kurt & Arto Tuncboyaciyan - Nefrete Kine Karsi.rar
2008 - ?????? (?????? ? ??????).rar
2006 - Le Voyage en Armenie (soundtrack).rar
2005 - Love is not in your mind.rar
2005 - Artostan.rar
2003 - Serart - Serart.rar
2001 - Aile Muhabbeti.rar
1998 - M.P.De Vito, R.Marcotulli, A.Tuncboyaciyan - Triboh.rar
1998 - Arto Tuncboyaciyan & Ara Dinkjian - Onno.rar
1997 - Turar.rar
1989 - Virgin Land.rar

jueves, 28 de diciembre de 2017

Daniel Zamir - Missing Here



"Missing Here" es el séptimo álbum del genial saxofonista / compositor israelí Daniel Zamir, uno de los más reconocidos músicos de jazz israelíes nacidos en el país, que también logró establecer una carrera internacional. Zamir nació en una familia secular, pero durante su estadía en los Estados Unidos redescubrió la religión judía y se convirtió en un judío ortodoxo. Zamir vivió en los EE. UU. Desde 2000 y regresó a Israel en 2006, donde ahora vive, escribe música, actúa y graba. Durante su estadía en Estados Unidos, John Zorn lo "descubrió" y finalmente grabó cuatro (hasta ahora) álbumes para la etiqueta Tzadik de Zorn. Este es su tercer álbum grabado y lanzado en Israel. Su música es una maravillosa mezcla de Klezmer, música judía, Europa del Este y, por supuesto, Jazz, que es completamente única. Su fluidez técnica y sus ilimitados poderes expresionistas lo ubican entre los virtuosos del saxofón mundial.

Ahora toca el saxofón soprano en forma exclusiva y su sonido a menudo recuerda al de John Coltrane. Este álbum incluye música compuesta completamente por él y está acompañado por algunos de los mejores intérpretes de jazz israelíes: Omer Klein - piano, Omer Avital - bajo y Aviv Cohen - batería. Los jugadores invitados incluyen el trompetista Itamar Borochov y el trombonista Avi Leibovitch. El cantante / pianista israelí Eviatar Banai invitados en la canción principal. El álbum es una hermosa experiencia auditiva para todos los amantes de la música sensible, y todos pueden descubrir las diferentes facetas de esta gran música. Totalmente recomendado!




01. Poem 33 (6:06)
02. Poem 54 (5:19)
03. Letter He (7:14)
04. Scent of an Apple Redness of Red (4:39)
05. Poem 42 (4:33)
06. Poem 51 (9:48)
07. Eleven (Question Mark) (6:29)
08. Poem 47 (Duet) (4:22)
09. 7 Measurements (6:22)
10. Love (7:18)
11. Missing Here (3:07)



sábado, 16 de diciembre de 2017

Diggin' In The Carts, A Collection Of Pioneering Japanese Video Game Music



Hyperdub se enorgullece de presentar Diggin 'In The Carts, una colección de música de videojuego japonesa rara y pionera. Este lanzamiento se basa en la aclamada serie documental de Red Bull Music Academy del mismo nombre que ha narrado la historia y la influencia global de esta emocionante cepa temprana de la música electrónica.

Investigado y comisariado por el escritor y codirector de Diggin 'In The Carts, Nick Dwyer, y el director de Koper9, Hyperdub, la colección se sumerge profundamente en los raros archivos de la era de los chips de la música de videojuegos japonesa. El 17 de noviembre en CD y digital, con un vinilo a seguir, la colección presenta obras de arte del renombrado artista del anime japonés y fundador de Studio ° 4C, Koji Morimoto, quien dirigió Memorias y Animatrix y cuyo estilo distintivo se encuentra en muchos anime conocidos.




1. Konami Kukeiha Club - Opening (Cosmic Wars) 01:08
2. Konami Kukeiha Club - Mazed Music (Nemesis) 00:47
3. Norio Nakagata - Big Mode (Genpel Touma Den) 01:31
4. Michiharu Hasuya - Hidden Level (Solomon's Key) 02:00
5. Konami Kukeiha Club - A Planet Of Plants (Nemesis II) 01:21
6. Manabu Saito - Telepathy (Chatty) 01:42
7. Konami Kukeiha Club - Equipment (Nemesis 3 The Eve Of Destruction) 00:48
8. Konami Kukeiha Club - BGM 3 (Motocross Maniacs) 01:09
9. Toshiya Yamanaka - Visual Scene 1&2 (Wer Dragon) 02:05
10. Goblin Sound - Opening (Hisou Kihei X-Serd) 01:57
11. Tadahiro Nitta - An-Un [Ominous Clouds] (Xak II) 03:48
12. Yuzo Koshiro - Temple (Actraiser) 01:17
13. Konami Kukeiha Club - Road To Agartha (Moryou Senki MADARA) 01:19
14. Hiroyuki Kawada - King Erekiman (The Legend of Valkyrie) 01:50
15. Katsuro Tajima - Exercise (Mega Panel) 01:53
16. Goblin Sound - Game Over (Hisou Kihei X-Serd) 01:10
17. Konami Kukeiha Club - Beyond The Terminus (Block Hole) 02:02
18. Kazuko Umino (Zuntata) Waltz of Water and Bubbles (Liquid Kids) 02:06
19. Hiroto Saitou - Main Stage BGM 1 (Time Cruise II) 01:54
20. Yasuhisa Wantanabe (Zuntata) - Area 26-10 (Metal Black) 02:11
21. Hiroto Saitou - Site 3-1 [Torrid City] (Metal Stoker) 02:23
22. Tadahiro Nitta - Metal Area (Illusion City) 02:11
23. Hiroto Saitou - Site 6-2 (Metal Stoker) 02:21
24. Mausmi Itou - Tactics 4 (Super Royal Blood) 03:28
25. Goblin Sound - My Phase [Stage 12-14] (Vixen 357)( 00:51
26. Hiroaki Yoshida - Kyoushin [Lunatic Forest] (Dragon Gun) 01:31
27. Konami Kukeiha Club - Underwater Dungeon - (Esper Dream 2) 01:59
28. Technosoft - Shooting Stars (Thunder Force IV) 01:16
29. Soshi Hosoi - Mister Diviner ( The Majhong Touhhaiden) 04:52
30. Jun Ishikawa - Main Theme (Alcahest) 02:14
31. Kazuhiko Nagai - Keel (Golden Axe II - The Duel) 01:29
32. Koichi Ishibashi - Bad Data (Dezaemon) 01:50
33. Yasuaki Fujita - What is Your Birthday (Tarot Mystery) 03:01
34. Kazuo Hanzawa - Oblivious Past (Alien Soldier) 05:18

viernes, 15 de diciembre de 2017

Les Filles de Illighadad - Eghass Malan



Les Filles de Illighadad presentan su primer álbum de estudio "Eghass Malan". El grupo de vanguardistas liderado por mujeres del pueblo del mismo nombre trae su nuevo género de guitarra Tuareg mezclado con la gente rural tradicional. Versado en la tradición, Fatou Seidi Ghali y su banda han creado versiones de estudio contemporáneas que no se parecen a nada jamás registrado, transportando la canción rural nómada al siglo XXI.

Les Filles son todos de Illighadad, una comuna aislada en el centro de Níger, a lo lejos en los desiertos de matorrales al borde del Sahara. El pueblo solo es accesible a través de un camino agotado a través del desierto abierto y hay poca infraestructura, ni electricidad ni agua corriente. Pero lo que la zona nómada carece de riqueza material compensa una identidad y tradición profunda y fuerte. El campo circundante ayuda a cientos de familias de pastores que viven con sus rebaños, como lo han hecho sus familias durante siglos.

El sonido que define al Níger rural es una música conocida como "tende". Toma su nombre de un tambor, construido a partir de una piel de cabra extendida sobre un mortero. Al igual que los alrededores, la música tradicional es un testimonio de la riqueza en la simplicidad, con composiciones dispersas construidas a partir de unos pocos elementos, voces, palmadas y percusión. Canciones ... más créditos

Producido por Christopher Kirkley
Coproducido por Les Filles de Illighadad, Mathieu Petolla, Bear Machine
Diseñado / grabado por Bear Machine: Björn Sonnenberg y Jan Niklas Jansen en Bear Cave Studios, Colonia
Residencia soporte Week-End Fest
Mezclado por Jason Powers
Dominado por Timothy Stollenwerk
Ilustraciones de Christopher Kirkley
Foto de Mathieu Petolla




1. Eghass Malan 04:49
2. Inssegh Inssegh 04:48
3. Imigradan 05:06
4. Jori 04:32
5. Tihilele 06:11
6. Abadrarass 04:47
7. Telillite 08:43

domingo, 10 de diciembre de 2017

Patricia Spero - Silk and Bamboo (2001)


Patricia Spero is one of the world's leading concert harpists. Tim Wheater is a virtuoso on the flute. They perform together on Spero's Silk and Bamboo. This is a lovely cross-cultural CD. Spero performs her magic on the Chinese harp (cheng), Tibetan singing bowls, the zither, Tibetan prayer bells, and, of course, the concert harp. Wheater contributes his expertise on wooden and bamboo flutes. The heart and soul of this recording come from Spero's tenacity and dedication to bringing the ancient and the contemporary together. Wheater's flutes add class and integrity.

Este álbum es suave, sin prisas y reparador. Tiene una fuerte sensación oriental causada por los instrumentos utilizados y también por la naturaleza de la composición que a menudo serpentea (como es común con la música oriental). Sé que muchos disfrutaran de esta música mientras hacen tratamientos holísticos como el Reiki y algunos incluso para la meditación.



Patricia Spero: Chinese Harp (Cheng)
Tim Wheater: Bamboo and wooden flutes.

1 Lamp of Wisdom (8:31)
2 Dawn Wind Bird (1:38)
3 Jewelled Flute (7:29)
4 Autumn Winds blow on Green Ponds (7:08)
5 Bridge of Stars (7:06)
6 A Misty Twilight Lotus that rises from the River (5:54)
7 Dark Dragon (7:51)
8 Music of Song (4:56)
9 The Moon in Flower looks on silent night (10:38)

TootArd - Laissez Passer



Famously, Rachid Taha’s first band was called Carte De Séjour, alluding to the difficulties of residents of France who were nonetheless less than citizens. Similarly, TootArd’s album title makes their status into a statement. They are from the Golan Heights, and therefore live in Israeli territory (and indeed record in Jersusalem) without being citizens of any nation. “Laissez Passer”, sings Hasan Nahkleh on the opening track; “your name . . . your image isn’t familiar . . . your roots are unknown . . . your homeland is unknown.” The music blusters in like the Touareg desert blues known simply as “Guitar”, fidgety and riff-driven.

TootArd play an engaging mixture of desert blues, dub reggae and all-out psychedelic rock. After the opening track Nahkleh plays his electric guitar like an oud, with a sour sound on “Musiqa”, with its stop-start rhythm eventually mutating into jaunty reggae; at the start of “A’sfur” a lengthy vamp owes as much to Knopfler as to Cairo.

His bandmates are his brother Rami, on bass guitar and percussion, and Amr Mdah on saxophones. Rami provides an off-kilter clatter of percussion on “Sahra”, its gritty guitar and reed interplay occasionally broken by a poetic vignette about “a night from a thousand nights”. The music falls away into a steady handclap. “A beautiful brunette”, the band chant, “her smile flamed my heart with a spark”. Then Mdah’s saxophone lifts into an airy solo.

This is music with its eyes on the far horizon. “Rebel, rebel, oh bird”, sings Nahkleh on “A’sfur”, “fly high/so there are no barriers in the world and the tall wall is demolished.” Later, on the yearning “Nasma Jabalyia”, his guitar echoing like a mirage, he sings to a turtledove and a mountain breeze. TootArd proclaim a mountain music open to anyone “from Baniyas and Hula plains to the Qarn and the Hareer valley . . . ” This is internationalist music, never more so than on the closing, wordless “Syrian Blues”.

 http://www.folkradio.co.uk/2017/11/tootard-laissez-passer/
 http://glitterbeat.com/artists/tootard/
 https://www.ft.com/content/1a26ff48-c357-11e7-a1d2-6786f39ef675





1 Laissez Passer 3:54 
2 Musiqa 3:25 
3 Sahra 5:25 
4 A'sfur 4:08 
5 Nasma Jabalyia 3:20 
6 Oya Marhaba 4:16 
7 Bayati Blues 3:46 
8 Roots Rock Jabali 4:06 
9 Circles 4:09 
10 Syrian Blues 4:54

domingo, 26 de noviembre de 2017

Nadah El Shazly - Ahwar



Nawa Recordings present Ahwar, the debut album by Nadah El Shazly. Starting out singing Misfits covers in a local punk band, then moving on to producing her own electronic tracks and making a name for herself in Cairo's underground scene, Nadah El Shazly's backstory is not that unusual. Her debut album on the other hand, is an entirely unexpected story. Two years in the making, Ahwar (Arabic for "marshlands") is an otherworldly record, not unlike an abstract mythological story-tale.

Opening with the mangled and filtered vocals of "Afqid Adh-Dhakira (I Lose Memory)", like an alien dream, the drones of a bowed double bass lead the listener into a drum groove that lays the groundwork for El Shazly's sultry and captivating presence. The Arabic prose lingers over interjections of slap-back delayed guitar twangs and an avant-garde arrangement of dissonant winds, horns, and seemingly random drum fills, ending with an eerie soundscape that wouldn't feel out of place in a giallo classic. Composed, written, and produced by El Shazly herself in collaboration with The Dwarfs Of East Agouza's Maurice Louca and Sam Shalabi on co-composition and arrangement duties, the album was crafted across two continents, between Canada and Egypt, and features the crème of Montreal's contemporary-classical and improvised music scene, most of whom are members of Shalabi's own Land Of Kush ensemble.

In between El Shazly's five original tracks, the listener is treated to an abstract conversion of Sayyid Darwish's classic "Ana 'Ishiqt (I Once Loved)". El Shazly's haunting vocal floats over broken kalimba and harp arpeggios which slowly intertwine with a free, bowed double bass improv to nestle within the breaks between Younes Al-Qadhi's early 20th century verses of love and betrayal. More than that, it is difficult to really describe, but imagine the worlds of Nico, Björk, and Annette Peacock with the Arabic language as their mother tongue, re-approached through acoustic avant-jazz harmony and re-constructed with a dash of Kamilya Jubran's modern styling of Arabic maqam and you may be somewhere close. Recorded and delicately mixed through miles of analog cabling by Thierry Amar and mastered by Harris Newman, the album is adorned with the surrealist artwork of Egyptian artist Marwan El-Gamal and designed with custom typography by Egyptian designer Valerie Arif.

https://nadahelshazly.bandcamp.com/album/ahwar
 




1. Afqid Adh-Dhakira (I Lose Memory) 04:39
2. Barzakh (Limen) 08:19
3. Palmyra 05:09
4. Ana 'Ishiqt (I Once Loved) 06:34
5. Koala 07:04
6. Mahmiya (Protectorate) 06:08

Bitchin Bajas - Bajas Fresh




Bitchin Bajas crean un mundo de ambientes a base de sintetizadores analógicos y órganos que comparte ciertos elementos con el sonido de Harmonia, Cluster o los tan cacareados hoy en día Emeralds. Un sonido definitivamente vintage, de arpeggios que flotan y rebotan creando nuevos espacios. Drone y Psicodelia de la buena en su máximo esplendor.






1. Jammu 11:03
2. Circles On Circles 08:34
3. Angels and Demons At Play 06:17
4. Yonaguni 09:40
5. 2303 23:03
6. Chokayo 12:21
7. Be Going 09:21

lunes, 20 de noviembre de 2017

Hypnotic Brass Ensemble - Book Of Sound



Hypnotic Brass Ensemble (also known as The Bad Boys of Jazz) is an eight-piece, Chicago-based brass ensemble consisting of eight sons of the jazz trumpeter Phil Cohran. Their musical style ranges from hip-hop to jazz to funk and rock, including calypso and gypsy music. They call their eclectic blend of sound "now music", or "Hypnotic". Reared in the teachings of music since they were children, they grew up on the stage playing as the "Phil Cohran Youth Ensemble".

https://en.wikipedia.org/wiki/Hypnotic_Brass_Ensemble



1 Lead the Way 3:13
2 Purple Afternoon 6:07
3 Kepra 5:58
4 Morning Prayer 4:24
5 Now 6:19
6 Solstice 4:16
7 Midnight 4:57
8 Sri Neroti 4:06
9 Heaven and Earth 4:34
10 Synapsis 4:49
11 Royalty 3:11

domingo, 19 de noviembre de 2017

Mighty Mo Rodgers & Baba Sissoko - Griot Blues


Mighty Mo Rodgers es es un artista reconocido una leyenda del blues estadounidense. Ha ganado muchos premios de música prestigiosos en Estados Unidos y Europa. Mighty Mo Rodgers es un músico de clase mundial cuya música es como un soplo de aire fresco en el mundo de la música blues y R & B.

Mighty Mo Rodgers ganó muchos premios: "The Handy Awards" por su álbum "Blues Is My Wailin 'Wall", (1999); "Living Blues" nominado para el álbum de blues contemporáneo "Red White and Blues"; "Trophees France Blues" lo declaró el mejor artista internacional para 2001 y 2002; el premio al mejor compositor (2003); "CHIC De L'Annee" le dio el mejor nombre de artista de blues (2007).

Baba Sissoko es el dueño de una gran voz y un maestro del tamani tambores del oeste de África, así como de muchos otros instrumentos (ngoni, guitarra, batería, balafón, kalabas, sildrum, kamalengoni). Su sensibilidad excepcional a la expresión musical de otros músicos lo llevó a colaborar con estrellas de la música de todo el mundo como Salif Keita, Ibrahim Ferrer, Habib Koite, Youssou N'Dour, "Buena Vista Social Club" y muchos otros. Baba Sissoko pertenece a una dinastía de cantantes griot malienses que poseen y transmiten la tradición arcaica.



Mighty Mo Rodgers - vocal, keyboards
Luca Giordano - guitar
Walter Monini - bass guitar
Pablo Leoni - drums
Baba Sissoko - ngoni, tamani, vocal, guitar

01. Shake 'em Up Charlie (4:09)
02. Mali To Mississippi (3:37)
03. Nalu - Mother (3:24)
04. Donke   Dance (4:53)
05. Demisenu - Children (2:10)
06. The Blues Went To Africa (3:49)
07. Djeli - Griot - Storyteller (3:47)
08. Drunk As A Skunk (3:29)
09. What Is The Color Of Love (3:58)
10. Mo Ba (3:51)
11. Griot Blues (4:38)
12. Kalimba #12 (0:51)

sábado, 18 de noviembre de 2017

Boubacar Traoré - Dounia Tabolo



Boubacar Traoré ( * 1942, Kayes (Malí) es un conocido cantante, letrista y guitarrista maliense. Conocido también como Kar Kar, "el que regatea demasiado" (en bambara, una de las lenguas malienses), en referencia a su modo de jugar al fútbol: "un apodo que tengo desde que era joven, cuando la gente gritaba "kari, Kari" (regatea, regatea), el nombre se me quedó pegado".

Traoré empezó a ser conocido por primera vez en los primeros años de los 60s, cuando canciones como "Kar Kar Madison", "Sunjata", "Kayeba" y "Mali twist" no paraban de sonar casi todos los días en la radio. Había empezado a tocar la guitarra de modo autodidacta y había desarrollado un estilo único, mezcla de blues americano, música árabe y kassonké, un estilo de música tradicional de su región natal.
Se convirtió en una superestrella en Malí y en un símbolo del otra vez país independiente (ver Historia de Malí). Sus canciones eran muy populares y solían aparecer en la radio. Sin embargo, dado que no hizo grabaciones, y como tampoco se pagaban derechos a los músicos, era muy pobre y tuvo que realizar trabajos extraños para sobrevivir.

 https://es.wikipedia.org/wiki/Boubacar_Traor%C3%A9



1. Dounia Tabolo 6:53
2. Ben De Kadi 5:45
3. Yafa Ma 5:24
4. Kanou (Kanga Keniogon Fe) 7:13
5. Mousso 4:34
6. Dis Lui Que Je L'Aime Comme Mon Pays 7:43
7. Badialo 3:43
8. Duna Ma Yelema 5:34
9. Je Chanterai Pour Toi 5:23
10. Maciré 6:53
11. Narena 4:43
12. Askia Mohamed 5:14
13. (Bonus) Dis Lui Que Je L'Aime Comme Mon Pays (Radio Edit) 3:47


domingo, 12 de noviembre de 2017

3MA: Ballaké Sissoko, Driss El Maloumi, Rajery – Anarouz (2017)







Desde su álbum debut en 2008, los músicos de 3MA han pasado por muchas experiencias individuales ampliando sus conocimientos.
Se reúnen regularmente para dar conciertos de 3MA en todo el mundo y con el paso de los años, han surgido nuevas ideas, que luego han sido refinadas, dando lugar a nuevas composiciones o reelaborando las ideas existentes.
Una década después del comienzo de su aventura, llegó el momento de hacer un balance y volver al estudio de grabación. Este nuevo álbum es testigo de su maravillosa conexión y experiencia madura. El percusionista Khalid Kouhen se suma a dos temas para agregar pulsos delicados con sus percusiones paquistaníes y tablas indias, y en otras dos pistas incluso podemos escuchar a Rajery, Driss y Ballaké cantando.
Pero durante el resto del disco, los instrumentos de cuerda reinan y tejen su magia solos. Cada pieza es el resultado de una química única en la que las partes individuales son difíciles de definir. Los sonidos de kora, oud y valiha no intentan sobresalir entre sí, sino que desarrollan un lenguaje común. Si bien nunca perdemos de vista las ricas tradiciones que representan Ballaké Sissoko, Driss El Maloumi y Rajery, escuchamos sobre todo un mensaje compartido de 3MA, un mensaje que se manifiesta contra la violencia de nuestro mundo, con sus armonías suaves y vigorizantes, energía vital y poesía universal.



TRACK LIST
  1. Anarouz
  2. Samedi glace
  3. Anfaz
  4. Moustique
  5. Hanatra
  6. Lova
  7. Mariam
  8. Aretina
  9. Jiharka
  10. Awal

Maryam Saleh | Maurice Louca | Tamer Abu Ghazaleh - Lekhfa الإخفاء



Lekhfa is the creation of Maryam Saleh, Maurice Louca and Tamer Abu Ghazaleh, three legendary musicians who came of age in 1990s Cairo. Decades later, the three trailblazing musicians, each having paved their way through the alternative Arabic music scene, have united to create a stunning new album. A rapturous combination of extraordinary musical talent and creativity, Lekhfa gives birth to an off kilter sound where layers of grit and beauty intertwine in and around the dystopian poems of their contemporary Mido Zoheir, whom they’ve dubbed the fourth ‘member’ in this creation, and one of the most talented Egyptian poets of their generation.






1. Kont Rayeh
2. Nefsif Akli
3. Ekaa Maksour
4. Mathaf Fonoun El Ghesh
5. Mazzikaw Khof
6. El Shahwa Wel Soaar
7. Teskar Tebki
8. Woshoush El Leil
9. Makonsh Wakoun
10. Ayez Awsal



Diron Animal - Alone



Nacido y criado en el ghetto angoleño de Cazenga, el nuevo disco del instrumentista, ahora con base en Portugal, es un crisol de estilos musicales y culturas.
"Vengo de la música tribal" dice Diron. "Tenía un grupo de música tradicional, luego me mudé a un grupo de Capoeira donde era un corrido principal y tocaba batuque. Por esa época también comencé a introducir estilos Hip Hop y Kuduro. Luego mezclé Kuduro con Hip Hop y Kuduro con Rock. Ahora estoy haciendo música para todas las personas y todas las edades ".
Con un pie firmemente establecido en sus raíces gueto, el álbum es una exploración personal: "Cazenga es un lugar donde se inventaron muchas danzas angoleñas, donde los niños deambulan descalzos y sin comida, pero pueden transformar sus luchas en creatividad", dice Diron.
Este movimiento y lucha es el núcleo del nuevo disco. Los estilos africanos tradicionales combinados con el estilo frenético de la música electrónica de Portugal culminan en un registro vibrante, enérgico y rítmico que trata tanto de la adversidad como de la positividad.


https://dironanimal.bandcamp.com/album/alone


1. Kema 04:07
2. Ghetto Ghetto 04:03
3. Love Family 05:08
4. Oxala Kuanbote 04:20
5. Don't Stop 03:27
6. Diculo 02:30
7. Bitch My Love 03:01
8. NCrazy feat. Spoek Mathambo 03:21
9. LM 04:17
10. Help 04:08



miércoles, 8 de noviembre de 2017

Phoebe Hunt & The Gatherers - Shanti's Shadow (2017)


De alguna manera, Phoebe Hunt es una entre un mar de millenials, que habitualmente se someten a crisis existenciales, moviéndose y tejiendo, sin embargo, para disfrutar su vida y escapar del "enganche" del mundo corporativo. Como muchos de sus compañeros, ella hace yoga, realiza retiros de meditación, vive con su esposo en una casa de Brooklyn llena de amigos artísticos y por cuenta propia y sueña con una vida exitosa en formas que nada tienen que ver con el dinero.

"Quiero ser libre", dice ella. "La libertad es ilimitada. Dentro de una construcción social y dentro de la sociedad capitalista en la que estamos, ser capaz de ser libre significa poder conectarnos con tu verdad más profunda y poseerla. Se trata de confiar en los demás lo suficiente como para compartir ese yo, colaborando con ellos para unirse en una comunidad auténtica. Se trata de ser totalmente vulnerable ".

Su ideación de libertad tiene una cualidad decididamente femenina, invocando nociones de ceder en vez de conquistar. Es una filosofía que requiere que abandone la licencia para hacer lo que quiera en nombre de una libertad más universal. Este es el ethos con el que lidera su banda y también la forma en que mide su éxito:

"Últimamente la gente me ha estado diciendo que mi música abre sus corazones. Para liberar espiritualmente las cosas es para lo que estamos aquí y si mi música puede hacer eso, bueno, creo que es hermoso ".

No es de extrañar que Hunt se ablande: pasó dos meses en el último año en misiones espirituales, primero en el Camino de Santiago en España y luego en un retiro de meditación védica en la India. Fue en ese segundo viaje que pasó tiempo estudiando con el maestro violinista y vocalista Kala Ramnath, que enseñó a Hunt a tocar su instrumento en la tradición clásica del norte de India.

Su último álbum, Shanti's Shadow , es una expresión de todas las diversas facetas del lugar de Hunt a tiempo: su estilo de vida artístico, su espiritualidad, su espíritu de búsqueda, pero sobre todo suena como la confesión de una mujer que está aprendiendo a conducir cediendo a lo que viene, una mujer formada como una perla dentro de una concha de ostras.
https://www.phoebehuntmusic.com/press

Phoebe Hunt & The Gatherers - Shanti's Shadow

sábado, 4 de noviembre de 2017

Nigel Stanford - Solar Echos


John Stanford o conocido como Nigel Stanford (Wellington, New Zealand), es un reconocido productor de música ambiental. y se caracteriza por la fusión total de Trance y música ambiental. Actualmente trabaja en New York e inicio su trabajo musical en 1999





1 Solar Echoes 10:16 
2 Entropy 9:02 
3 The Edge 8:07 
4 Cymatics 4:45 
5 Sea of Tranquility 7:40 
6 The Watchers 10:29 
7 Aurora 9:59 
8 Deep Space 8:04 
9 Far Centaurus 9:58 
10 Dark Sun 8:01



domingo, 29 de octubre de 2017

The Nile Project – Jinja

Subido por Marhali.

The Nile Project es una loable iniciativa hacia el panafricanismo: artistas de once países por los que pasa el río y sus afluentes se reúnen anualmente para impartir cursos y concienciar sobre la necesidad de cuidarlo. Una idea redonda y una maravilla musical, porque alcanza momentos de una intensidad y compenetración absolutamente asombrosas.

El proyecto, auspiciado por el etnomusicólogo egipcio Mina Girgis y la cantante etíope y activista cultural Meklit Hadero, comenzó en enero de 2013 cuando 18 artistas procedentes de Egipto, Uganda, Etiopía, Sudán del Sur y Sudán, se reunieron para desarrollar un proceso creativo colaborativo que duró 10 días. El resultado fue Aswan (2013) donde ya se preveía la trayectoria exitosa que tendrían estas y estos embajadores y diplomáticos de la música. El colectivo de intérpretes se va de gira por el mundo para difundir el mensaje ecológico y de interculturalidad, acontecimiento que en 2016 aprovechan para grabar Jinja (2017) en Uganda, lugar donde se encuentran las fuentes de El Nilo.

Más allá del sentimiento de hermandad que promueve, la música de la banda resulta atractiva justamente cuando reproducen sus valores de unión, cuando las tradiciones de Egipto, Etiopía, Sudán, Uganda… (y sus respectivos instrumentos) se van integrando o alternando a lo largo de una misma pieza. Una armonía que suena sorprendentemente accesible incluso para la o el oyente occidental, a pesar de la diversidad de instrumentos musicales, estética, estilos y lenguas. Los temas están compuestos por los y las artistas intérpretes en seis idiomas. Las voces de la egipcia Dina El Wedidi, la etíope Selamnesh Zemene (componente de Ethiocolor), o de la sudanesa Alsarah protagonizan de forma espectacular este mega-proyecto musical, destacando también la versatilidad, energía y gran voz del burundés Steven Sogo.

01. Inganji - feat. Sophie Nzayisenga and Selamnesh Zemene
02. Allah Baqy - feat. Dina El Wedidi and Sarah Abunama-Elgadi
03. Ya Abai Wuha - feat. Selamnesh Zemene
04. Omwiga - feat. Micheal Bazibu
05. Uruzi Nil - feat. Steven Sogo
06. Dil Mahbuby - feat. Dina El Wedidi and Mohamed Abozekry
07. Tenseo - feat. Jorga Mesfin, Mohamed Abozekry and Selamnesh Zemene
08. Marigarita - feat. Sophie Nzayisenga, Hany Bedair, and Selamnesh Zemene
09. Biwelewele - feat. Steven Sogo
10. Mulungi Munange - feat. Micheal Bazibu, Sophie Nzayisenga and Steven Sogo

Orchestre Les Mangelepa - Last Band Standing


Orchestre Les Mangelepa was formed in July 1976. Mangelepa extensively toured East and Central Africa and are known for their spectacular stage shows. A search for quality instruments brought the Congolese band Orchestre Baba National to Kenya in 1975.

However due to domination by members of the older generation in the orchestre Baba National Band, a group of young and vibrant members led by Bwamy Walumona, pulled out and formed their own band- Orchestre Les Mangelepa, in order to express a more youthful sound. Thus, Les Mangelepa, an orchestra that prides in quality ageless music was born on the first day of July 1976. The band quickly gained popularity in Nairobi. In the same year of the Band’s formation Jack Gerchun, an Israelite restaurant owner being impressed by their stage frolics accepted the band to frequently perform at his restaurant.

In the subsequent years they held performances at Garden Square, Alliance Club and also toured Kenya. However the band was never too keen to devote themselves fully to live performances and so they concentrated on practicing and recording music. To date the band has recorded more than 13 albums. In 1979, after Idi Amin’s reign Les Mangelepa were called to perform at Lugogo Stadium to establish peace and tranquility among Ugandans but shortly into the performance, the crowd became chaotic disrupting the performance. Being an Ochestra, Les Mangelepa is equipped with top vocalists, guitarists, Drummers, pianists and tenor & alto saxophonists. Having being around for over 30years, the band carries a taste of the past into the present while pressing on to appeal even in the future.https://www.musicinafrica.net/directory/orchestre-les-mangelepa






1 Kanemo 9:07 
2 Malawi zikomo 9:59 
3 Mbungu 9:47 
4 Maindusa 9:21 
5 Nyako konya 10:18 
6 Suzanna 7:35 
7 Mimba 8:48 
8 Ma lilly 9:28


viernes, 27 de octubre de 2017

Julio Pereira-PraÇa do Comercio (2017) [Portugal]


- Prefacio del DIGIBOOK - PLAZA DEL COMERCIO - Rui Vieira Nery
 Reconocimiento y descubrimiento Cuando oigo una nueva grabación de Júlio Pereira tengo una reacción simultánea de reconocimiento y de descubrimiento. Reconocimiento porque hay siempre en ella una firma sonora y estilística inconfundible, como la que sentimos en la viola de Django Reinhardt, en la trompeta de Miles Davis, en el bandoneón de Astor Piazzolla o pase la inmodéstia filial-en la guitarra de Raul Nery. A las primeras notas identificadas caminos sin ninguna duda que es el Júlio que está tocando y eso nos deja desde luego aquella sensación de bienestar que naturalmente tenemos cuando nos cruzamos con un amigo. Sin embargo, descubre que esta fuerte marca individual no se traduce en la mera repetición de fórmulas y clichés ya conocidos pero por el contrario se revela como una constante fuente de nuevas ideas, nuevas preguntas y nuevas respuestas. En cada nueva pieza, aunque el estilo y el propio formato general nos sean familiares, el material temático es siempre sorprendente y transformado de maneras siempre inventivas. Y hay que añadir que el proceso creativo no se agota en la versión grabada. Siempre que oímos una de sus interpretaciones en vivo de cualquiera de las pistas de un álbum su constatamos que el registro fonográfico no era, al final, sino una matriz congelada de cualquier cosa que la presencia de un público en vivo siempre puede retransformar de modo más o menos radical.
Si tuviera que elegir el componente más destacado de la música de Julio Pereira diría sin vacilación que es el ritmo. Una vez más, luego las primeras notas nos agarran con una cadencia rítmica marcada, de aquellas que, como Camilo Castelo Branco decía del Fado en su Eusebio Macario, nos pone, temblores involuntarios en las nalgas. O, en otras palabras, el arranque de cada banda nos precipita en un recorrido cargado de energía que sólo se descarga en los acordes finales, pero esto no tanto por el fuerte ritmo regular acentuado como por un fluido permanente de ideas y soluciones musicales imprevisibles. Me viene a la cabeza otra cita, la de la advertencia que nos hace Bette Davis en el All about Eve: "Apriete los cinturones, muchachos, va a ser una noche accidentada".
 Otro aspecto que me parece de especial interés en esta música es una vez más de otra aparente contradicción entre un sabor intrínsecamente portugués y la diversidad de referencias cosmopolitas que en ella podemos reconocer. Los viras, chulas, hadas y modas de que nos damos cuenta, aunque siempre transformados y reprocesados ​​sin ninguna intención de "autenticidad" folclórica, se cruzan con ecos más o menos alejados de jigas celtas, de choros cariocas, de tibias y de colchas -verdianas, de folksongs anglo-americanas, de bluegrass de los Apalaches, de ritmos de Dixieland o de danzas mediterráneas. Pero el producto final reafirma siempre una postura identitaria en la que instintivamente nos reconocemos y nos gusta que nos reconozcan como portugueses. Como le gustaba decir Miguel Torga: "Lo universal es el local sin paredes".
 Es por eso que por lo menos desde su histórico Cavaquinho, de 1981, que tuvo un impacto tan decisivo en la Música Popular Portuguesa, cada nuevo álbum de Júlio Pereira es, por cierto, un hito importante en el recorrido creativo personal de su creador, pero también una contribución significativa al conjunto de nuestra tradición musical viva, fiel a sus raíces pero constantemente en busca de nuevos caminos y de nuevos diálogos, de identidad y de intercambio intercultural, de viejas raíces y nuevos frutos.

 http://www.juliopereira.pt/pt/BIOGRAFIA/PracaDoComercio.htm

 

01. Voa Cavaquinho
02. Galope do Deserto
03. Comboio Azul
04. Noitada Extravagante
05. Ponte da Barca
06. Palácio das Necessidades
07. Índios da Meia-Praia
08. Dança da Lua Cheia
09. Praça do Comércio
10. The Common Raven
11. Lagoa das Sereias